И зправен пред творчески спад в по-късните си години, Анри Матис се променя благодарение на предизвикателна поръчка. Тя променя завинаги живота му - и историята на изкуството, пише Даян Бернар за BBC.
През 1930 г. Анри Матис, един от гигантите на изкуството на XX век, изпада в обезкуражаващ творчески спад. На 60-годишна възраст художникът живее в Ница, Франция, от 13 години, след като е прекарал години в Париж като enfant terrible на авангардния свят на изкуството в града. Изолиран от шумотевицата на парижката живописна сцена, Матис се съсредоточава върху изобразяването на съблазнителни женски модели в интериорни ателиета, като използва ярки шарки и искрящи цветове, озарени от средиземноморската светлина. Тъй като изпада в стилистично повторение, някои критици, както и самият Матис, се питат дали някогашният радикален художник не е изгубил острието си.
"Няколко пъти седях да рисувам", пише той на дъщеря си Маргарита през 1929 г. "Но пред платното нямам идеи."
Сега една великолепна, провокативна изложба в Музея на изкуствата във Филаделфия показва как Матис се освобождава от застоя в живописта в края на 20-те години на ХХ век и се превръща във възроден декоративен художник през 30-те години. Матис през 30-те години на ХХ век е първата голяма изложба, която разглежда еволюцията на художника през този етап от дългия му творчески живот. Представяйки 143 творби, тя предлага рядката възможност да се изследва процесът на Матис, когато той работи в период на продуктивен упадък - особено актуален днес, след като много художници преживяват изолация и творчески паралич по време на пандемията от COVID-19.
Какво е необходимо, за да се запази творческият устрем през целия живот? Неотдавнашно проучване на организацията "Америка за изкуствата" установи, че 64% от 20 000 анкетирани художници са заявили, че са изпитали спад в творческата си продуктивност по време на пандемията. Повече от половината от тях твърдят, че спадът се дължи на стрес, тревога и депресия, свързани със състоянието на света. Творческият резултат на Матис спада в началото на световната икономическа депресия, възхода на фашизма в Европа и, по-непосредствено, личното усещане, че подходът му към рисуването на статива е в криза.
Хронологично подредена, книгата "Матис през 30-те години" започва с преглед на периода от Ница, пример за който е сладострастната му "Одалиска със сиви панталони" (1927). Съблазнителен модел в харемни панталони лежи върху зелена завивка, заобиколен от блестящи червени и жълти стенни мотиви. Картината-еталон е доста зашеметяваща, както и другите в този раздел. Но след като напуснете стаята, изпълнена с приятни голо тяло след голо тяло, виждаме, че в нея се настанява фиксация. Изглежда, че извън шумния парижки художествен свят Матис може би се е задоволил в края на кариерата си, обръщайки се навътре, рисувайки вътрешни студийни светове в традиционна перспектива, осветени от поразяващото средиземноморско слънце.
Изглежда, че Матис е осъзнал думите на критиците: най-добрите му години на художник-ренегат са зад гърба му.
"Фиксацията може да играе роля в творческите блокажи", казва професорът от Йейлския университет и експерт по творчеството Джонатан С. Фaйнщайн, автор на предстоящата книга "Творчество в мащабни контексти". За творческата личност, казва Файнщайн пред BBC Culture, фиксирането означава, че художникът е използвал определен начин на мислене, набор от инструменти, теми или стилове и след това се е фиксирал върху този начин на виждане на света и създаване." Може да е трудно психологически да се прекъсне фиксацията, защото този начин на мислене е бил затвърден в съзнанието ви в продължение на години на мислене за, в този случай за Матис, неговия подход към живописта", добавя Файнщайн.
И критиците по онова време забелязват това. Към 1927 г. те гледат на Матис като на "застаряващия художник на одалиските", според каталога на изложбата, "човекът, когото Андре Бретон описва като "обезкуражен и обезсърчен стар лъв". Нещо повече, продукцията му на статива намалява и между 1928 и 1929 г. той създава само няколко маслени творби върху платно, въпреки че все още рисува и работи в областта на скулптурата. Изглежда, че Матис е осъзнал думите на критиците: най-добрите му години на художник-ренегат са зад гърба му.
Джулия Камерън, чийто труд "Пътят на художника" от 1992 г. е помогнал на хиляди творци по света да овладеят и поддържат творческия си потенциал след прекъсване, отбелязва, че дори толкова известни творци като Матис могат да приемат критиката и да изпаднат в криза. "Това е вярно, дори ако в миналото сме имали прекрасни отзиви", казва тя пред BBC Culture.
Един от най-известните съвременни художници в света, китайският дисидент Ай Вейвей, който неотдавна в лондонския Хайд парк раздаваше произведения на изкуството в подкрепа на бежанците по света, казва, че е преживял подобен творчески блокаж, когато се е върнал от САЩ в Китай през 1993 г., макар и без критиките, с които се е сблъсквал Матис. След като 10 години създава забележителни фотографии, докато учи изкуство в Ню Йорк, при преместването си през 1993 г. "станах много объркан, защото не можех да намеря подходяща връзка с китайската култура, въпреки че бях едновременно запознат и непознат с нея", казва той пред BBC Culture.
"Всъщност исках да я избягвам, но не можех да проумея как."
Ай трябваше да остане в Китай, за да се справи с блокажа си. Но в края на 20-те години на ХХ век, когато Матис осъзнава, че трябва да съживи творчеството си, той започва да пътува, първо до Таити, а след това до САЩ.
Американската художничка на абстрактни инсталации Джуди Пфаф, която е силно повлияна от Матис, когато започва да рисува през 70-те години на ХХ век, казва, че пътуванията помагат на много художници като нея да съживят творчеството си, когато се чувстват блокирани. "Пътуванията ме карат да вървя напред", казва носителката на наградата на фондация "Макартър" пред BBC Culture. "Всеки път, когато съм на ново място, било то Индия или Китай, това се включва в работата ми."
Намиране на нов стил
След като обикаля САЩ с влак, през есента на 1930 г. Матис отива във Филаделфия, за да се срещне с колекционера Алфред Барнс в неговия музей в едно от предградията на града. Там Барнс леко конфронтира застаряващия художник, като посочва, че картините му от "Ница" са чувствени и привлекателни, но малко леки в сравнение с по-ранните творби, според Синтия Каролан, доцент в музея "Барнс", който сега се намира в сърцето на Филаделфия. Барнс предлага на Матис поръчка: да създаде картина, която да се побере под масивните сводести прозорци в новия му музей. Матис приема поръчката и на свой ред се изправя пред огромно предизвикателство. На първо място, той никога не е създавал нещо толкова голямо, отбелязва Каролан: площта на музея за стенописа е широка около 45 фута (13,7 м) и са необходими три отделни платна, за да се поберат между два прозореца. Второ, никога не му се е налагало да прави картина с точни архитектурни пропорции, което е много по-сложно от рисуването върху преносимо платно.
За да започне проекта, Матис се връща към една по-ранна картина, която прави през 1910 г., наречена вече "Танцът I", за да се разграничи от творбата на Барнс, която е наречена "Танцът II".
Първата танцова картина представлява един от ранните завои на Матис към по-опростен подход към живописта, използващ основните елементи на линията, цвета и формата. В отговор на появата на фотографията, която може да пресъздаде детайлите много по-реалистично, отколкото един художник, "Танцът I" е опит да се даде тласък на живописта да предава емоции чрез основни визуални елементи, а не да се конкурира със способността на фотографията да изобразява точната реалност.
Henri Matisse.
— Olga Tuleninova 🦋 (@olgatuleninova) January 4, 2021
Nasturtiums with the Dance II, 1912 pic.twitter.com/H79SRaNe4Z
Матис използва различни методи по подривен начин - Ай Вейвей
Снимките, плановете и предварителните скици в изложбата показват как Матис се е справял с тези предизвикателства. За да създаде стенописите, той наема гараж, достатъчно голям, за да работи върху извънгабаритните платна. Искайки движение в творбата, той поглежда назад към по-ранните си работи, за да продължи напред, и решава да пресъздаде група танцьори от основополагащата си творба "Радостта от живота" (1906 г.) като основа за това, което ще се превърне в "Танц II". Първоначално прави малка рисунка и я увеличава, за да се побере на платното, но според Каролан пропорциите не са били подходящи. Трябвало е да измисли начин да скицира рисунката си върху голямо платно, където би било трудно да я изтрие или да я нарисува, за да направи промени.
Тогава Матис осъзнава, че обичайните му инструменти - маслени бои и четки - не могат да осъществят визията му, затова намира нови.
Започва да използва дълга бамбукова пръчка, прикрепена към молив, като удължен инструмент за рисуване, за да скицира формите на танцьорите. След това, в продължение на месеци, се опитал да изреже големи парчета от предварително оцветена хартия и да ги прикрепи, което му помогнало да определи пропорциите на произведението. За първи път Матис използва ножица като инструмент за изкуство, с което поставя началото на ерата на прочутите си изрезки. Започва да използва и фотоапарат, за да документира процеса си и да сравнява промените от ден на ден.
Матис прекарва три години над "Танцът II" и в този процес бележи завръщане към модернистичния стил, като в крайна сметка създава динамична композиция, изобразяваща тела, които сякаш прескачат през абстрактно пространство от розови и сини полета. "Той успяваше да трансформира творчеството си чрез определен вид среда и инструмент", казва Ай Вейвей. Повечето художници обикновено работят в обратна посока, посочва той, и използват познати техники върху различни теми. "Матис е използвал разнообразни методи по подривен начин", допълва Ай, а в процеса на опитите за овладяване на тези методи се е появил художествен език, който е позволил на френския майстор да навлезе в относително свободно състояние на творчество.
Преминаването му от рисуване върху платно към използване на предварително изрисувани хартиени изрезки в "Танцът II" оказва дълбоко влияние върху поколения съвременни художници от Ромаре Биърдън до Робърт Матуел и Пфаф. В крайна сметка изложбата доказва, че Матис е оправдал собствените си известни думи: "Художникът никога не трябва да бъде затворник на себе си, затворник на стила, затворник на репутацията или затворник на успеха."
gm✨
— ParaChica (@parachicaa) January 19, 2023
✨I am made of all that I have seen✨
La Danse by Henri Matisse @artistmatisse pic.twitter.com/cbZdq081Wh
Когато Ай Вейвей е задържан от китайските власти за близо три месеца през 2011 г., той няма как да създава изкуство, казва той. Вместо това се опитва да разбере хората, които го държат в затвора, и системата, в която работят, разказва той пред BBC Culture. "Затворничеството за мен е специално обучение за език, нов начин на говорене, вместо това, което обикновено се разбира като лишаване от свобода".
Ай се справя с предизвикателството, за да излезе с нова сила и възприятие за това как да бъде творчески, като от 2012 г. нататък създава някои от най-ангажиращите си, културно предизвикателни творби. "Свободата, която получих там, беше нещо, което не бих могъл да развия, ако не бях попаднал в затвора", казва той.
Подобно на Ай Вейвей, работейки чрез създаването на "Танцът II", Матис преодолява карантината на собственото си съзнание, за да излезе от другия край с революционно нов стил на творческо изразяване.
Неговият нов фокус, строго върху простите линии и смелите цветове, представлява пълно отклонение от реализма, като говори на неговите и на зрителите емоции, а не само на интелекта. Изобретяването на изрезките е резултат от дълбок творчески процес, който оказва влияние върху художниците и очарова публиката през следващия век.
* Моля, коментирайте конкретната статия и използвайте кирилица! Не се толерират мнения с обидно или нецензурно съдържание, на верска или етническа основа, както и написани само с главни букви!